Entre los años ’50 y ’60, Europa fue el escenario de una intensa revolución sonora y estética. Al lado de las experimentaciones musicales, y del nacimiento de numerosas estrellas del rock, se desarrollaba paralelamente una increíble producción visual, fundada en la búsqueda de lo nuevo, de lo prohibido, de la provocación, de la superación de antiguos cánones considerados obsoletos, a favor de un arte plástico donde la “estética” y lo “bello” empezaran a tomar caminos muy distintos. Así, mientras los Beatles componían las futuras piedras miliares del rock, Francis Bacon asociaba en sus pinturas la dimensión humana con la monstruosidad, la atrocidad, el sufrimiento.

La muestra “Desde Bacon hasta los Beatles: nuevas imágenes en Europa en los años del rock”, que tendrá lugar en el Museo della Permanente, propone un recorrido entre creación sonora y visual, presentando una muy buena selección de obras para mirar con auriculares, escuchando los mejores éxitos musicales de la misma época. El formato de la exposición es muy interesante, y continúa una línea curatorial que está teniendo cada vez más éxito en las artes visuales: la asociación con la música o la infiltración sonora en la contemplación visual, con la intención de brindar una experiencia que sea más sensorial (según afirmado por la curadora Chiara Gatti). De esta manera, observando muy de cerca el acontecimiento simultáneo de la revolución sonora y estética, es posible reconocer las influencias mutuas, y entender hasta qué punto la nueva manera de mirar influenció la composición sonora, y cómo la manera de escuchar música tuvo impacto en la forma de ver y procesar lo visual.

La muestra incluye también a Peter Blake y Richard Hamilton, y a exponentes del movimiento artístico italiano denominado “arte povera” como Alberto Giacometti, Mimmo Rotella, Giuseppe Guerreschi y Mario Schifano; al norteamericano William Utermolhen, al alemán Horst Antes y a los franceses Jean Dubuffet y Cesàr. La “columna sonóra” está compuesta por los Beatles, los Pink Floyd, Elvis, Jimi Hendrix, Joan Baez, Jim Morrison y Mick Jagger. Es interesante notar que las pinturas (en su mayoría grandes formatos) y las esculturas se encuentran iluminadas como si se tratara de músicos en un escenario, para reconstruir y evocar la atmósfera de aquel período de profundos cambios sociales, políticos y económicos, desde la Guerra de Vietnam hasta Woodstock.

La muestra tendrá lugar en el Museo della Permanente, situado en Via Turati 34, hasta el 12 de Febrero. El ingreso es de 6 euros, y el horario de apertura es de martes a viernes, desde las 10 hasta las 13hs y desde las 14hs30 hasta las 18hs30; sábados, domingos y días festivos: desde las 10 hasta las 18hs30 (día de cierre: lunes). Más informaciones en: http://www.lapermanente.it/eventi/bacon.aspx.

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Os recomendamos que alquiléis apartamentos en Milán para esas fechas, y que vengáis a disfrutar de una de las muestras más interesantes del año.

Contáctame 

Se trata de un controversial personaje del arte italiana, probablemente uno de los dibujantes de cómics mejores de todos los tiempos. Su nombre es Andrea Pazienza, y su vida ha sido muy breve (32 años) pero increíblemente intensa, no sólo por los acontecimientos que la animaron, sino sobre todo por su manera de vivir la vida: totalizante, absoluta, extrema. Andrea Pazienza se definió varias veces “el mejor dibujante viviente”, una afirmación que resulta un poco petulante, sobre todo si no se conoce su obra. Luego, al abrir un cómic cualquiera de su producción, uno se da cuenta de que el nivel de sus dibujos permite una presunción sin miedo alguno: la fuerza de los colores que utiliza y su increíble habilidad en el trazo crean historias que – literalmente – salen de las páginas y nos ocupan la cabeza, el día, la vida.

Andrea Pazienza nació en San Benedetto del Tronto el 23 de Mayo del 1956. Su padre, profesor de educación artística, le transmitió desde pequeño su amor por el arte, enseñándole a mirar. Desde muy joven, Pazienza dejó rastros de genialidad, realizando escenografías por algunos espectáculos del Teatro Verdi de San Severo y, desde el 1973, realizando exposiciones individuales y colectivas. Alcanza un éxito muy grande gracias al primer cómic que publica, “Las extraordinarias aventuras de Penthotal”, una historia inspirada en sus años transcurridos en la universidad de Bologna (en la que cursaba el DAMS – Disciplinas de Arte, Música y espectáculo, una carrera que dejó cuando le faltaban dos exámenes para obtener su licenciatura). También se dedicaba a la pintura, otro arte que desarrolló desde muy joven, creando un cuadro emblemático que representaba su suicidio, cuando sólo tenía 15 años. En el año 1984, se revela públicamente el lado más oscuro de su producción artística: la vinculación con la heroína y la dependencia de las drogas. Fueron estas que lo condujeron a la muerte: el 16 de junio del 1988, en su casa de Montepulciano (Toscana), Andrea Pazienza falleció por una sobredosis de heroína. Nunca fue claro si se trataba de un suicidio o de una sobredosis asumida sin la voluntad de morir.

De todas formas, Pazienza deja una herencia incomparable en el mundo del cómic italiano. La muestra “Pazienza un cuerno!”, organizada por la Galería Ca’ di Fra’ en colaboración con la Little Nemo Art Gallery de Turín pretende reunir una serie de obras muy significativas del artistas. Todo el mes de enero se podrá visitar en el espacio de Via Carlo Farini 2 (Milán). El horario de apertura de la sala es de 10 a 13hs y de 15 a 19hs, de lunes a sábado. Hasta el 28 de Enero de 2012 (cierre por vacaciones de Navidad hasta el 9 de Enero). Para más informaciones: http://sbamcomics.it/eventi/eventi-pazienza-un-corno-alla-ca-di-fra.

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Entonces, no os perdáis la posibilidad de conocer a este artista. Os recomendamos que alquiléis apartamentos en Milán y que vengáis a disfrutar de una visita al arte del cómic, de la mano de uno de sus autores más reconocidos.

Contáctame 

Los movimientos de vanguardia son esenciales para dar un paso más allá en el terreno del arte. Cuando hablamos de vanguardia, nos referimos a un estado de ánimo o conglomeración de individuos con una mirada común, que se juntan en ocasiones por coincidencia o se organizan sistemáticamente para abordar algún problema en el arte, cuestionarlo, y como resultado dar un paso más adelante en la representación artística. Lo que está demostrado sin embargo, es que las vanguardias artísticas no tienen un paradero fijo o un punto de partida único. Resultan siempre, aparecer casos aislados de las mismas estéticas en diversas partes del mundo.

El problema de las categorías en el arte contemporáneo suele en ocasiones dejar de lado a participantes simbólicos importantes de cierto estilo o propuesta. Queda como trabajo del curador, los museos y galerías, en ocasiones re-escribir la historia de estos personajes, que no son vistos con la claridad que otros, o no llegan a tener el mismo reconocimiento.

Así, la marginalidad en el arte es otra condición que se aúna a la de vanguardia. El estar contra el “status quo” del arte es sin dudas un riesgo que todo artista serio debe de tener presente. Por momentos esta consigna de la vanguardia se olvida. Hoy en día, ser un artista de vanguardia resulta ser una operación sumamente automática; el gran esparcimiento de las artes conceptuales a todo nivel de comunicación y de discusión política, sitúa al arte contemporáneo actual en un estado de desanimo, por no utilizar la palabra crisis que tan de moda está hoy en día. Cuesta creer entonces que las vanguardias hayan desaparecido, que la problemática del arte contemporáneo llegue tan fácilmente a los espacios académicos y que se reúna en estos a no necesariamente lo mejor que se esté haciendo en el arte actual.

La Transvanguardia Italiana fue un movimiento de mediados de los 80’s y fue una respuesta al auge del Arte Povera, también de origen italiano. Su propuesta era completamente anti-conceptual, afianzada mas bien en el manejo del color en la pintura influenciada en parte por el expresionismo. Entre sus representantes están Nicola de Maria, Mimmo Paladino y Francesco Clemente solo para nombrar a algunos. El transvanguardismo fue un retorno a la subjetividad y a la sensualidad en la pintura, a partir de un modo de expresión clásico. Así, recurren a la narración visual de diversos mitos antiguos y temas que bordean lo heroico, de una manera singular que sitúa a su trabajo en un estado de suspensión del tiempo: sin una fijación exacta en lo conceptual, los recursos de diversas épocas son utilizados en gamas de color intensas. Para conocer más del trabajo de estos rebeldes contra los rebeldes de moda de aquel entonces, visita el Palazzo Reale de Milán y disfruta de esta fabulosa muestra que va hasta marzo del 2012. Para más información, visita esta página web: http://www.mostratransavanguardia.it/

Alexa Ray

Consigue apartamentos en Milán y descubre lo mejor del arte contemporáneo actual y del siglo pasado. Esta ciudad te espera con su larga tradición de galerías y museos.

Contáctame 

Lo llamaron “El Banksy asiático” por la fuerza de sus mensajes y por la calidad formal de sus obras. Se hizo conocido en el mundo de la Street Art, ese mundo que al principio se situaba en oposición a las galerías de arte, proponiendo ideas muy precisas y posturas muy rebeldes, creando un arte “efímero” que no se pudiese vender, comprar o poseer, sino que perteneciera a la ciudad, que fuera una forma de dar a sus paredes grises una vida artística propia, un mensaje para la sociedad en su conjunto.

Sin embargo, en las últimas décadas (probablemente a partir del grande artista Basquiat y llegando finalmente a Bansky, hoy fenómeno mediático) el mundo de la Street Art se ha acercado cada vez más al circuito convencional de las exposiciones y venta de las obras, y los mismos artistas cuyo lienzo antes era la metrópoli, ahora se dedican a realizar versiones un tanto diferentes de sus obras, en materiales que se puedan transportar, exhibir y, en fin, vender.

¿Puede esto considerarse una traición? Algunos sostienen que sí. Otros, más prudentes, aseveran que las galerías brindan un espacio para que la obra socialmente comprometida de estos artistas instale su mensaje y su provocación directamente adentro del circuito habitual de compra-venta de las obras. Pero no hay dudas: este mismo mensaje, exhibido en las paredes asépticas de los espacios expositivos, pierde toda su fuerza.

Por todas estas razones, vale la pena de ver al menos una exhibición de este tipo: para hacerse una idea de lo que significa trasladar un mensaje de un soporte a otro, y para ver de qué manera (a veces radical) su contenido se modifica.

Farhan Siki es un joven artista de Indonesia que nunca había tenido una exhibición personal en Europa. Su momento llegó cuando la Primo Marella Gallery de Milán decidió darle esta oportunidad y concederle sus espacios hasta el 28 de enero de 2012. En la muestra, que inaugurará el 14 de diciembre a las 19hs, se presentarán 15 grandes obras, todas inéditas.

La obra de Farhan Siki presenta sus mensajes de una manera humorística y audaz, también explorando en profundidad el elemento textual. De hecho, a menudo utiliza logos, iconos y símbolos de la cultura de masa local y global, para disponerlos en sus lienzos (hasta hace poco en las paredes), cargándolos de atribuciones hiperbólicas y parodia. Es un lenguaje que, en cierta manera, se acerca al mundo de la publicidad y de la comunicación, mediante el cual el artista presenta las irónicas y amargas contradicciones de la vida contemporánea. Un poco paradójicamente, sus ataques polémicos también están dirigidos al mundo del arte, a la deriva de algunos artistas en el “star system” (sin duda hace referencia a personajes como Damien Hirst – con su calavera de diamantes vendida por 74 millones de dólares).

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Entonces, si os interesa reflexionar sobre el significado de la crítica avanzada por la street art al día de hoy, os recomendamos que no os perdáis la oportunidad de conocer esta muestra. Podéis alquilar apartamentos en Milán y dedicar unos días al arte y a la cultura, directamente en la capital del “fashion” en Italia.

Contáctame 

Cuando planeamos un viaje en familia siempre hay que pensar en los niños y muchas veces nos hacemos miles de problemas porque cuesta entretenerlos y encontrar lugares donde todos puedan disfrutar en plenitud esos días de descanso. No se agobie, por el contrario, Milán ofrece panoramas increíbles para padres e hijos y se las vamos a comentar.

Una ventaja de Milán son sus maravillosos parques por donde pueden caminar, trotar o simplemente tenderse a mirar mientras los chicos saltan y juegan. El Parco Sempione, que se encuentra entre en Castillo Sforzesco y la Piazza Sempione, tiene estanques, puentes, parques de juegos para niños y un museo. En pocas palabras, usted puede pasar toda una tarde o una mañana disfrutando tanto como sus hijos e incluso puede llevar merienda y pasar un día de completo relajo a muy bajo costo.

Otro es el Parco Forlanini, está en Via Corelli y tiene un tamaño de 235 hectáreas, que lo convierte en el parque más grande de Milán y está abierto todos los días del año. Incluso, en otro de los bellos parques de esta ciudad, el Parque Azzurro cuando hay buen tiempo se puede nadar.

Si sus hijos son creciditos, una gran entretención para toda la familia son las visitas guiadas temáticas. Hay desde paseos en bus de dos pisos recorriendo los lugares más importantes de la ciudad, hasta interesantes excursiones fotográficas de 3 horas donde se enseñan in situ algunas técnicas básicas para mejorar sus fotografías y retratos, así sus chicos aprenderán la historia de la ciudad y fotografía en un solo paseo. Generalmente hay precios especiales para familias y descuentos para los más pequeños.

Lo mismo ocurre en los numerosos museos, el planetario, monumentos y castillos. Pero sin duda la mejor opción en esa área es el Museo MUBA o Museo dei Bambini di Milano. Un lugar que sin dudas disfrutaran tanto sus hijos como usted.

También puede hacer estos paseos en bicicleta alquilando o realizando tours como los ofrecidos por A.W.S Bici, en pleno centro de la ciudad.

Lo que no puede perderse es una visita con los chicos a las heladerías de Milán y sacar también el niño que hay en usted. Una de ellas es La Bottega del Gelato, ubicada en la Via Pergolesi 3. Ahí encontrará un paraíso de sabores, colores y olores que no podrá resistir. Esta heladería es reconocida internacionalmente por la calidad y variedad de sabores como pitahaja colombiana, granadilla indonesa, postacchio di Bronte, entre otras variedades exóticas que lo harán feliz junto a sus niños.

Si de comer se trata, los chicos prefieren las pizzas y los emparedados, nada muy refinado y en lugares relajados. Así que buscar lugares donde padres e hijos puedan disfrutar de una rica cena tras un día de paseos, caminatas y emociones es complejo. Para eso nada mejor que el Restaurante Norman, recomendado para ir en familia por sus maravillosas pizzas hechas en horno de leña, carnes de primera y embutidos caseros que se pueden acompañar con frescas ensaladas. Es un lugar distendido, decorado con utensilios de la cocina campesina y donde los niños son los reyes.

Para más información: http://www.muba.it/php/news.php

Nancy Guzman

Recuerde que nada mejor para finalizar el año y comenzar otro con energías es tomarse unos días con su familia. Para eso apartamentos en Milán le tiene los mejores espacios e inmejorables precios. Así que saque cuentas y se convencerá que es más económico una semana en apartamentos en Milán que una terapia familiar.

Contáctame 

En su interesante propuesta cultural y artística, el Hangar Bicocca presenta hoy una interesante muestra del músico y artista francés Céleste Boursier-Mougenot. Se trata de la adaptación (curada por Andrea Lissoni) de la instalación sonora mostrada por primera vez en el Barbican Centre de Londres, en la que se exploran las relaciones entre el sonido, el caos, los eventos azarosos y la vida cotidiana.

En el espacio del cubo será posible encontrar un paisaje visionario y musical, compuesto por una guitarra eléctrica suspendida en el aire “tocada” por un grupo de pájaros que, con su vuelo y apoyándose en sus cuerdas, determinan en el momento la música (o los ruidos) que se escuchan. Se trata de otra invención del artista y compositor francés, que concentra su investigación en la creación de sonidos a partir de los objetos más lejanos a la música. En algunos trabajos anteriores sorprendió a los espectadores transformando una aspiradora en una armónica, en la que los cubiertos y platos se convirtieron en instrumentos de percusión, o utilizando los sonidos de la calle elaborándolos electronegativo. Pero los pájaros son su descubrimiento más reciente y sugestivo porque no solo crean un interesante juego visual, sino también construyen una metáfora entre el vuelo y el sonido, donde se abre una profunda reflexión sobre la relación entre casualidad y causalidad. ¿Hay casualidad? Esta antigua pregunta, a la que muchos respondieron con una actitud fatalista, está aquí resuelta de forma más poética y menos dramática, y acerca esta obra a experimentaciones vanguardistas o a la música indie de Sonic Youth.

Céleste Boursier-Mougenot nació en Niza en el 1961. Su formación artística no fue visual sino musical: estudió en el Conservatorio de Niza y posteriormente se dedicó a la composición. En los años entre 1985 y 1994 trabajó para la Pascal Rambert Theatre Company, un grupo teatral que se dedica a la vanguardia y cuyas experimentaciones seguramente fueron una gran inspiración para el artista. Así fue como, a partir de los primeros años ’90, Boursier-Mougenot decidió dedicarse a una composición musical y visual, acercando su trabajo al ámbito más dinámico de las artes visuales, donde sus instalaciones sonoras fueron recibidas con mucho entusiasmo y despertaron mucha curiosidad.

En su acercamiento a la experimentación musical, y sobre todo en la relación entre la música y el silencio, encontramos una interesante referencia a John Cage, donde la música es un concepto que abarca mucho más que el sonido. Cage explicitó esta convicción con su obra maestra 4’33”, cuya partitura está compuesta por una palabra: “Tacet”, es decir, guarden silencio. Así, por la durada de 4 minutos y 33 segundos, los espectadores escuchan el silencio, y todos los ruidos que lo contaminan se convierten automáticamente en la música compuesta. ¿Casualidad?

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Si os interesa el arte de vanguardia y queréis conocer un proyecto original, ¡no os perdáis la muestra de Boursier-Mougenot en el Hangar Bicocca! Os recomendamos que alquiléis apartamentos en Milán y vengáis a disfrutar de su instalación sonora, hasta el 4 de Diciembre.

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Por lo general los museos replican lo que las circunstancias no dicen. Es decir, a cada acontecimiento, inventan algún nuevo concepto para vender entradas y arte. Del mismo modo funcionan las galerías. El negocio del arte se ha convertido en una gama de discursos que poco tienen que ver con los procesos del arte actual, sino con la voracidad con que cambian los tiempos y de la misma manera, y voracidad, seguir al día de los estudios culturales. La política tiene mucho que ver con todo esto, y en el fondo sucede que nadie crea sin pensar que está creyendo en algo, que está por encima del objeto producido, de la obra en sí. No hay obra independiente de su discurso: lo interesante es que la obra justifique ese discurso, sin necesidad de textos o introducciones pomposas. La decadencia del arte actual, no hace más que espantar a los puristas y por otra parte, afirmar a aquellos que sin mucho talento pueden hacer carreras esplendidas, via Facebook.

El diseño por otra parte, desde su funcionalidad y necesidad en cuanto a mejores modos de expresión y diálogo con consumidores, empresas, maquinarias de sentido de todo tipo dentro de la cultura actual, suele ser un campo en medio del gran vacío de significado que de momentos deja el arte visual en todas sus formas. Efectivamente, el diseño está condicionado a cumplir un trabajo eficiente, a partir de lo que se proponga, es más efectivo y puntual en muchos sentidos. Diseño de muebles, interiores, ropa. Milán es la capital del diseño, de moda claro en Italia. Quizás el diseño es más honesto, en la actualidad, en la medida que tiene un mercado fijo que no se agota, que siempre está dialogando con él, y del que todo dependemos.

La Triennale de Milano es un espacio en el que todo lo antes mencionado se combina. Desde diseño, arte gráfico, fotografía, pintura y seminarios de arte, La Triennale es uno de los espacios más ricos en cuento a cultura contemporánea se trata en Milán. Entre lo mejor que está en exhibición, hasta el 28 de agosto podrás ver una muestra fotográfica dedicada al legendario y único, Pier Paolo Passolini. La muestra explora la cotidianidad de este genio, creador de obras maestras como Saló, 120 días de Sodoma, probablemente una de las películas más arriesgadas de todos los tiempos, hecha en Italia. Saló es el crudo relato de un grupo de jóvenes capturados por una secta fascista en una mansión, para ser sometidos a los más espeluznantes y a la vez eróticos rituales, en que todos participan hasta incluso, algunos, la muerte. La muestro presenta por otra parte, la vida cotidiana de una de las mentes más extravagantes del cine italiano. Para más información sobre la Triennale de Milano, visita su página web: http://www.triennale.org/

Alexa Ray

Por eso, nada mejor que conseguir apartamentos en Milán y ser parte de su agitada vida cultural. Además de la moda, el arte también cuesta, y te costará caro dejar de saber que mientras consumen, otros te siguen consumiendo.

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En el cada vez más poblado mundo del arte contemporáneo, la fotografía sigue siendo uno de los lenguajes que los jóvenes artistas prefieren utilizar. En la muestra “El agua de la química”, que inaugurará el 7 de Julio en la Click Gallery de Milán, encontraremos obras muy poco crípticas, sino más enfocadas sobre el detalle y la recuperación de aquella capacidad de visión y detenimiento sobre los detalles, que la vida contemporánea – cada vez más rápida – nos ha quitado y que la fotografía (y el arte en general, intentan devolvernos.

Mario Washington es un joven artista italiano que nace, vive y trabaja en Milán. Como muchos hoy, estudia derecho y, contemporáneamente, empieza a dedicarse a la fotografía en el 2006. Dos años después decide irse a New York, centro mundial del arte contemporáneo, para hacer una práctica en la Bruce Silverstein Gallery, donde aprehenderá las técnicas e intentará definir su estilo como artista.

A la vuelta en Italia, participa en la cuarta edición del “Premio Arte Laguna” (Venecia, 2009) y expone en el mismo año en la muestra “Nocturno Metafísico” de la Click Gallery. Su primera muestra individual, “El agua de la química”, tuvo lugar desde el 7 hasta el 27 de marzo de 2011 en el Acuario cívico de Milán, y el 7 de Julio inaugurará en la Click Gallery, galería de arte con la que el artista ha establecido una colaboración estable. Para más informaciones: www.clickgallerymilano.com.

Washington decidió dedicarse a fotografiar los paisajes, la naturaleza, y sobre todo un cierto tipo de “naturaleza muerta”, hecha de detalles urbanos e iluminaciones artificiales. Siempre busca un juego de luces específico, donde los colores (a veces casi psicodélicos) contrastan entre sí y otorgan un aspecto muy espectral a los edificios y panoramas que elige. Su intento podría ser el de “fotografiar lo que no está ahí”, como diría William Gibson, padre de la literatura cyber-punk, que en su cuento “El continuo de Gernsback” pone uno de sus personajes frente a un edificio por horas enteras, esperando que la luz revele o esconda el detalle que lo terminará transformando en otro edificio, en otra cosa.

En las fotografías de Mario Washington hay mucho silencio. Se pide al espectador que aprenda a mirar el detalle y ver algo que solo a través de la visión fotográfica se revela.

En “El agua de la química”, el agua es estudiada a través de las innumerables manifestaciones de sus estados físicos y capturada en 30 fotografías que muestran su extrema versatilidad frente al espacio que la contiene, pero también su poder corrosivo, destructor, su fuerza lenta que puede penetrar cualquier material y modificar cualquier forma en el tiempo, mucho tiempo, ese tiempo que hoy no sabemos esperar ni considerar que existe.

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Si deseáis ir a ver esta muestra y averiguar si el artista ha logrado sus intenciones, os recomendamos que alquiléis apartamentos en Milán y disfrutéis de un fin de semana dedicado al arte en esta ciudad donde los espacios contemporáneos no faltan.

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Hasta el 19 de junio Palazzo Reale exhibe Impresionista: Capolavori della Clark Collecction compuesta de 73 obras de arte pertenecientes a la colección de Sterling & Francine Clark Art Institute de Massachussets, donde se encuentran los franceses del siglo XIX Pierre Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas, Édouard  Manet, Berthe Morisot y Camille Pissarro, Pierre Bonnard, Carot, Gauguin, Millet y Sisley; Toulouse Lautrec, Bouguereau y Gérôme, entre otros.

Milán es la primera parada de una gira de dos años por varios países de Europa de la colección Impresionista perteneciente a Sterling & Francine Clark Art Institute, que por primera vez visita Italia. La muestra centrada en examinar la innovación en el manejo de la  luz natural en la pintura del neoclasicismo, plasmada en cada una de las obras realizadas por estos maestros de la pintura del siglo XIX.

El Impresionismo surge en la segunda mitad del siglo XIX, cuando Louis Leroy escribe su crítica sobre la obra Impresión: soleil levant (1872) de Claude Monet, que se exhibía en una exposición de 1874, señalando que: “Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?…, el cuadro no tenía derecho ni revés…, ¡Impresión!, desde luego produce impresión…, el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina”. De esa forma se acuñó el nombre de la corriente artística que buscaba romper con el clacisismo, al atribuirle a la libertad un valor superior que a la belleza.

La luz natural, los paisajes y la naturaleza van a ser la fuente de inspiración en la pintura impresionista. Un precursor de esta corriente pictórica es Édouard Manet, que en sus obras Desayuno sobre la hierba y El bar del Folies-Bergère evidencia un juego con la luz como elemento unificador de la figura, junto a pinceladas más sueltas, libres, sin ocultar las imperfecciones propias de la materia plástica, que va a marcar al impresionismo.

La aparición de nuevos productos y pigmentos producto de los avances en la industria serán coadyuvante en las nuevas tonalidades de los trabajos en óleo, logrando mayor pureza de colores, juego de matices y saturación de colores que hasta entonces eran imposibles de lograr. Esta experimentación con las saturaciones va a ser trabajado posteriormente por los fovistas, que harán énfasis en el uso libre y extremo del color, como lo vemos en las obras de Henri Matisse.

Si bien no hay un concepto estético que unifique al impresionista, si se pueden ver ciertas corrientes que van más allá del trabajo con la luz, los colores y la técnica. Degas es el pintor más complejo, perfeccionista de esta corriente y si bien tuvo seguidores, fueron los menos. Monet como fundador del impresionismo sentó las claves del color y la luz en sus pinturas. Manet siguió siendo un pintor de estudio y sus cuadros no tienen la frescura propia de otros impresionistas.

Para más información http://www.impressionistimilano.it/

Nancy Guzman

Pocas veces es posible ver las obras de estos monstruos de la pintura juntos, para poder comprobar y reconocer en plenitud lo que fue el impresionismo como corriente artística, así que si se encuentra en apartamentos en Milán no deje de asistir al Palazzo Reale a deleitarse con estos maravillosos cuadros,

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Hasta el 12 de junio el Palazzo Reale de Milán presenta la exposición Alberto Savinio. La Comedia del Arte dedicada al mundo poético del pintor italiano. La muestra organizada en torno a la pintura, los mitos, la comedia y el teatro, está comisariada por Vicenio Trione y se compone de 100 obras que rinde un merecido homenaje a la ecléctica obra de Savinio.

Andrea Francisco Alberto de Chirico, conocido como Alberto Savinio, nació en Atenas, Grecia, en 1891. Hijo de padres italianos, desde joven tuvo un talento especial por el arte y el pensamiento crítico influenciado por la admiración a la cultura clásica griega que había desarrollado leyendo a los filósofos. A los 12 años se graduó en el Conservatorio de música de Atenas, en piano y composición musical. Dos años después, a la muerte de su padre, realizó su primera obra escribiendo un Réquiem a su memoria. La muerte de su padre significó el regreso de la familia a Italia y luego se trasladaron a Munich. En esa ciudad se va a dedicar a perfeccionarse en música y compone Carmela, su primera ópera en tres actos, la que fue elogiada por la crítica.

En 1911 se traslada a París, centro de la vanguardia artística y de las grandes discusiones teóricas de la época. Allí se va a sumar a la Avant Garde, estableciendo amistad con el escritor y poeta más influyente de esa corriente, Guillaume Apollinaire. También establece cercanía con escritores y artistas de la talla de Pablo Picasso, Fernand Léger, Jean Cocteau y Max Jacob.

Curioso y creativo, en estos años se aproxima a la representación teatral, pero incursiona en la pantomima por considerarla una expresión compleja y completa de arte escénico. Por esos años adopta el seudónimo de Alberto Savinio para establecer una diferencia con su hermano Giorgio de Chirico.

Savinio crea el movimiento musical Sincerismo, que rompe con el que abandona el clasicismo centrado en la polifonía y la armonía para incursionar en el ritmo y la disonancia musical. Su producción musical se vuelve prolífica, pero incursiona en la poesía, inscribiéndose en la corriente del surrealismo, siendo considera Les Chant de la mi-mort una obra fundadora del surrealismo en la poesía.

En los años 20 escribe su novela La tragedia de la Infancia, La Casa Inspirata y comienza a trabajar en teatro y a escribir piezas teatrales con enorme talento. En 1926 regresa a Paris y comienza a pintar, al año siguiente presenta su primera exposición en la galería Bernheim que es presentada por Cocteau. Los debates teóricos y las convulsiones políticas de la época lo alejaron de Paris y de los surrealistas, a pesar que siguió manteniendo relaciones de amistad con André Breton y algunos surrealistas.

En 1933 regresó definitivamente a Italia y se dedicó a escribir, al teatro y al periodismo en las revistas Colonna y Broletto. También dedicó parte de su tiempo al trabajo gráfico de las ilustraciones.

Savinio fue un renacentista del Siglo XX, incursionó con pasión en todas las artes y vivió la pasión de un tiempo de cambios de discusiones teóricas. Murió en 1952 tras realizar su último trabajo de poner en escena la ópera Armida de Gioachino Rossini.

Para más información http://www.mostrasavinio.it/

Nancy Guzman

Visitar la exposición La Comedia del Arte es una gran apuesta si se encuentra descansando en apartamentos en Milán porque es acercarse a una vida dedicada a la creación y la belleza.

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